首页『菲云国际』注册登录平台-- 法拉利团队-游离的边界 形式的边界：透过不同媒介让感官和神经大大延申(主管:QQ66306964 主管:skype live:.cid.6c7b79dae5ec9830)摄影这一领域已具备充分的多样性，摄影这一媒介也充满了与其他艺术媒介的混杂、并置：摄影与绘画，摄影与舞台装置，摄影与空间艺术，摄影与图像/平面设计……在此次线上主题展“游离的边界”中，有这样一系列艺术创作及摄影出版物，它们反映出当今摄影艺术正是以媒介之间的相互作用为特征，恰如马歇尔·麦克卢汉（Marshall Mcluhan）所言，人类毫无疑问已“透过它们所使用的不同媒介，让自己的感官和神经大大延申了”。
伍德的黑白照片轻松地诠释出完美。形状、肌理和色调等冲突的元素，在每幅图像中都以精妙的平衡和流畅的几何形状融合成雕塑般的造型。他镜头下的女性通常戴着大圆帽、披着织物，只露出部分轮廓，或者伸出手去拿看不见的东西，若隐若现。
巴斯蒂安·伍德 (1987年出生) 是当代摄影界迅速崛起的“一颗新星”。他此前没有任何正式经验，也没有接受过正规训练，从零开始摄影实践，仅用五年时间就成长为一名具有自己独特标志性风格的摄影师，他的作品抽象而锐利，高度注重细节。伍德在荷兰、中国和美国举办过多次画廊个展。他的作品进入了世界各地的私人收藏，并在巴黎卢浮宫、荷兰希尔弗瑟姆博物馆和辛格拉伦博物馆等机构展出。
洛马的“改绘”系列通过反复曝光底片，对大卫·霍克尼的《水花四溅》等艺术名作进行大刀阔斧的抽象改绘。洛马研发出一套完整、独特的工作流程，使他享誉当代摄影艺术届，并成为其中最令人瞩目的成员之一。
“我的材料是光。作品侧重于能量而不是物质。我的创作既关乎结果，也关乎过程。首页『菲云国际』注册登录平台-- 法拉利团队-”
洛马从1990年代后期开始创作这些独特的照片，在过去的十年中他通过曝光底片创作抽象图像，这个步骤有时要重复成千上万次。他先用复杂的图纸和精确的计算进行预绘制，对作品的控制达到近乎科学的精度。但拍摄结果取决于传统胶片相机的内部运转，这种相机永远无法实现百分之百的人为控制。最终图像的成品总带有偶然成分。这些不朽的杰作是相机自身创作的独一无二的视觉记录，巧妙地捕捉到摄影科学性和偶然合景性的双重本质。
洛马“改绘”（2015年）系列是在他的工作室里用模拟摄影（analogue）的技术创作的，也是他过去那些多重曝光作品的延续。他一直对空间和构图有着浓厚的兴趣，在这些改绘自世界名画的作品中，他把空间、构图和对记忆的探索结合起来。尽管洛马使用的原作往往是人尽皆知的名作，但他通过把它们分割成碎片再重新组合，创造出了新的空间可能性。每一件成功的改绘都会与原作形成令人意想不到的对话关系。乍一看，这些对比令人诧异，但观察得越久、看得越仔细，相似点就越明显。效果仿佛千变万化的错视画。
被洛马选进这个系列里的作品，往往也曾被原画作者自己改绘过多个版本，调整构图和色彩，一次次地诠释、再诠释。每次改绘的作品都保留一定的辨识度，与最初的版本相呼应，沿用原母题和主色调，但每次迭代出的新作品都离艺术家的核心愿景更进一步。洛马向前跨了一步，将作品简化成形式和色彩。“改绘”并不是为了表现原作的元素，而是展现画布的空间占用和留白、空间的排布，以及事件的序列。
尼科·洛马在赫尔辛基和的里雅斯特工作。他先后就读于波士顿新英格兰摄影学院（1995年）、波士顿美术馆学院（1998年），2003年毕业于阿尔托大学艺术、设计和建筑学院， 2003年至2013年于该学院任客座讲师。
2015年洛马开始担任全职副教授。近年他曾在纽约、柏林、伦敦、马德里、萨尔茨堡和赫尔辛基举办个展，1995年起在美国、亚洲和欧洲参加多个群展。
他的作品被国际机构广泛收藏，包括赫尔辛基芬兰国家美术馆、赫尔辛基基斯马当代艺术博物馆、哥本哈根丹麦国家摄影博物馆等。他近期发表了新作《尼科·洛马：时间不再是障碍》，这本书2021年9月由Hatje Cantz出版。2013年他曾于纽约布鲁克林的ISCP国际艺术工作室驻留，同年获威廉·图灵奖。
尽管从表面上看，方塔纳拍摄的是田野、建筑或城市中的人行道，但实际上他真正的创作主题是色彩，以及研究色彩如何表现超越视觉现实的东西。他的作品充满了夺目的光彩，把图像的含义推到新的领域，变得抽象而富有诗意。在他的作品中，蜿蜒曲折的或由条纹组成的风景仿佛快速地与观者擦身而过——方塔纳的眼睛总是在旅行。而当它原地不动时，无论是田野还是城市景观，仿佛都化身活泼的积木，各种颜色在图像表面相互碰撞、摩擦。
弗兰柯·方塔纳1933年出生于意大利摩德纳。自1960年代初以来，他一直在从事彩色创作，对当时黑白美术摄影的既定范式而言，可谓一次大胆的革新。他的作品荣获众多奖项，1992年东京都博物馆将他评为“创造新时代”的23位摄影师之一。他以7种语言发表了100多本书，近期他的专著《美国》（Contrejour Editions出版，2020年）荣获2021年第37届海明威摄影奖。方塔纳在全球范围内举办过许多个展，作品被机构广泛收藏，包括纽约现代艺术博物馆、堪培拉澳大利亚国家美术馆、悉尼新南威尔士美术馆、阿姆斯特丹市立博物馆、东京都博物馆、巴黎现代艺术博物馆、莫斯科普希金博物馆、巴西圣保罗艺术博物馆、摩德纳视觉艺术基金会、都灵现代艺术画廊、伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆、布宜诺斯艾利斯国家艺术博物馆、赫尔辛基芬兰摄影博物馆等。
Atlas Gallery（伦敦）成立于1994年，是全球最重要的专业摄影画廊之一。画廊呈现的作品形式广泛，拥有大量20世纪摄影大师的杰作，同时也代理了风格多元的当代摄影艺术家。从经典复古摄影、新闻摄影和时尚摄影，到实验性摄影和艺术摄影，Atlas精通摄影媒介的各个领域。画廊销售的高质量作品，来自一个世纪以来最负盛名的那些摄影师。画廊与其合作名单上的摄影师大多为独家代理关系，因此能够提供许多稀缺的、独一无二的作品。画廊每年约举办六场展览，并在Paris Photo、Photo London、影像上海、Art Miami和巴塞尔艺术展香港展会等国际知名艺术博览会亮相。
在其备受赞誉的《Radiator Theatre》系列中，张仁雅开发了她自己的视觉语言。该系列的灵感源自她在工作室所在公寓某处角落的偶然发现，张仁雅观察到从朝南窗户射进来的光线照亮了距离床几英尺远的取暖炉。于是便将取暖炉的顶部作为一个空白的舞台，用画的和剪的纸搭建出小型三维布景，并利用周围窗户的自然光对这些场景进行拍摄。
艺术家本人将这一系列描述为“通过令人愉悦的形状和色彩表达出来的一套文字游戏、韵律、误解、夸张和谎言”。我们都知道一个词汇在舌尖呼之欲出的感觉。用科学的术语表达则是“词性遗忘”，即无法从记忆中检索到特定的词汇，但又感觉立刻能想起这个词汇。张仁雅充满诗意且模糊不清的摄影作品所传达的正是这种感觉。
张仁雅，2010年获得摄影专业美术学士学位，2012年在纽约视觉艺术学院完成了MPS时尚摄影课程的学习。她的作品曾在国际知名画廊和艺术节展出，包括纽约摄影节、大邱摄影双年展、巴黎摄影博览会、东京摄影博览会、荷兰Unseen国际摄影年展。
近几年，张仁雅被众多奖项提名，包括Magenta基金会Flash Forward摄影奖和纽约国际摄影中心的无限摄影奖。她在2011年耶尔国际时尚与摄影节中荣获Foam Talent并入围决赛；2016年被《Photo District News》杂志评选为PDN30位新锐摄影师之一。去年她的新项目“乌托邦”在瑞士勒洛克美术馆展出。她的作品曾发表于《时代》杂志、《英国摄影杂志》、《IMA》杂志、《纽约客》和《纽约时报》杂志等。
Jason Shin（首尔，京畿道），前身为ONE FOUR画廊，自2018年在首尔开幕以来，以积极推广国际当代艺术家作品的前瞻性展览而闻名。Jason Shin代理了一批国际知名以及新兴的艺术家，他们的作品横跨多种媒介、聚焦多元话题。
画廊开幕首展呈现了张仁雅的个展“Radiator Theatre”（2018），并定期举办其代理艺术家个展，同时积极参加国际艺术博览会，如巴塞罗那国际艺术博览会（SWAB），香港Art Central博览会、影像上海艺术博览会，以及东京艺术书展等。
“我的作品描绘了真实的，却并不存在的地方：在普通现实中找不到的，但却由真实材料，比如木头、沙子、胶水和画布所制成的场景。我将我的艺术作为一种可视化内外部人类景观的方式。我的灵感主要来自想象，在幻想之域中，我想抓住一种原型语言。
我的工作室地板就像一个舞台，我在上面构建、捕捉和解构我所创造的风景。在我的场景中，有时会涉及全球发展，比如流行病、气候危机和环境问题。场景中没有日常生活的喧嚣：没有交通或拥挤的城市景观。对比鲜明的特征和元素可以与我的作品联系起来，例如：乌托邦/反乌托邦、俏皮/严肃、社会/自然、美丽/单调。
画面不断出现在我的脑海中，与世俗现实没有任何明确关系的场景，居住着奇怪人物和充满奇特建筑的风景。心灵的眼睛看到的这些图像发生在放松的心灵状态，也称为阿尔法状态。然后出现的内心世界从日常生活的压力和紧张中抽空。既不是繁忙的交通和城市建筑，也不是人。
在破坏了我创建的场景之后，我的摄影图片显示了其荒芜，包括（早期）似有似无的人类活动。可能有一个广告牌、一个游乐场或一个空荡荡的游泳池。几乎什么都没有发生，但这些梦幻般的场景表明某些事情已经发生或将要发生。我认为艺术是加深我们自身联系的重要手段。我们思想的更深层次充满了未知的图像和信息。我想专注于内在的‘图片’，并将它们可视化给你看。在创作我的作品时，我感觉自己就像一个探险家。就像早期的航海者为新发现的土地绘制素描和绘画⼀样，我创作了我在脑海空间中发现的阴暗梦幻世界的图片。”
丽莎娜·胡格沃夫（b.1987）于2011年毕业于皇家艺术学院，她现工作和居住在荷兰的海牙。她的作品描绘了一幅幅对于观众来说熟悉又陌生的的场景，这些地方不可能是真实存在着的，但是又是用日常之物搭建而成的，如木头、沙子、胶水和彩绘画布等。她创建了一条独属于她的道路，连结她的内心世界和幻想的外太空。她通过具有典型性的视觉语言来传达她基于自己的想象力来创作的作品。
ArtCN画廊（上海）于2012年在上海创立，旨在通过其自身对中国当代艺术的深厚了解及与国内外优秀艺术家的紧密联系，以艺术为媒介建立一个跨文化交流平台。画廊定期为那些吸收汲取并重新解读“自身”与“移居”国家间各种元素的艺术家举办个展和群展，构建一种介于中国与国外文化之间的独特对话形式。
作品《不完整的》源于吴雨航自身所经历的皮肤疾患。在多年旧疾期间，他的母亲曾凭日常经验书写了一份土药方，并随同家人共进故乡深山采摘草药植物，熬制药液为他浸泡治疗。虽说药方没有专业医师的指导，但却在很大程度上缓解了他的病痛。而这份药方也成为了吴雨航还乡的“药引”，他数次回到故乡寻药，在丛林的行走中体察疾病与疼痛的脆弱张力。
在作品具体的图像制作过程中，他用故乡深山所寻的草药进行熬煮，将采药过程中与父母共同拍摄的底片置入汤水中熏蒸浸泡，把治疗疾病的身体感知施放到底片的“图像肉身”上。彩色负片的乳剂涂层经过药液的浸泡，剥离、脱落，甚至变质，呈现出不完整的图像。而每一次与底片亲密相触的时刻，都将他带入某种冥想时间，那些散布并蔓延的残相也不再是伤疤与痕迹，而是充满治愈能量的精灵，使得他在不完整的图像中连通并修复自我与故土、家庭之间的“割痕”。
吴雨航，1994年出生于中国重庆。2020年硕士毕业于四川美术学院实验艺术学院。他的创作通常从感光媒材出发，一方面通过感性的肉身潜能对底片进行操纵和干预，在其微妙的化学反应及变质过程中延展摄影的本体性语言。另一方面，他试用这一“创伤过程”中出现的幻觉图像对自己的心灵进行抚慰与疗愈，并在其抽象的碎裂形态中探寻艺术的精神性力量。
他曾参与“中国青年摄影师推广计划鲲鹏奖联展”(平遥国际摄影节，山西，2021) ，“感觉的逻辑”(第五届深圳国际摄影大展，深圳，2021) ，“2020年度罗中立奖学金获奖作品展”（四川美术学院美术馆，重庆，2021），“2020 Photo L.A”（洛杉矶，美国，2020），”来自中国的新艺术”（伊斯兰堡美术馆，巴基斯坦，2019) ，”Flying Of New Media”（奇堂美术馆，韩国，2019）， “重庆森林——一个亚洲伦理城市样本”（星汇当代美术馆，重庆，2018），”TENSION”（Winchester Gallery，英国，2018）， “另存为… “（第三艺术实验室，重庆，2017）， “你好，我的样子”（尤伦斯当代艺术中心，北京，2016）等展览。
一时画廊（北京，上海），2021年夏，在上海一幢老洋房中一场名为“一时”的展览后，一时画廊应运而生。同年末，画廊在北京开启了空间，创办人白雪邀请艺术语言独特、作品能与当下时代产生共鸣、并给予观者持久力量的当代艺术家合作。一时画廊关注每个展览的策展情境，以新颖的方式带动新人群对画廊合作艺术家、作品的理解与收藏，及对艺术的热爱。从北京/上海出发，一时画廊志在稳健而灵活地生长在后疫情时代的当代艺术版图上。
陶迪的创作模式是使用日常物品与其环境，将它们置入新的情境与路线之中。他专注于自我与外部世界之间的分离与异化，试图将人类与外部之基础设施和大自然环境连结，并创造新的语境。通过他所制作的雕塑、真人大小又或者微型布景的装置，作品的中心围绕着幻境的体现。尽管带有一定比例的超现实主义氛围，且片场的制作方式承袭了剧画摄影（Tableau Photography）的艺术脉络，陶迪在概念上采用了更传统的模式。他的作品基于相机镜头和他脑中对真实与想象的对立。作品中交织着细小的线索，抑制在想象和幻想世界中无限扩散，将观众拉回到他的主要重点：对现实中社会、政治和环境的评论。在这些梦幻般的虚实之下，实际上是他对全球议题和人类困境的写照。
瑟米尔·陶迪（b.1978 孟买，印度）是一位视觉艺术家和摄影师，目前定居孟买。2004毕业于印度国际设计学院（NID）硕士。其近期创作《神圣大道》及《内向者的对白》皆曾于《GUP杂志》和《卫报》上刊登，并且作品展出于新加坡国际摄影节及Backlight摄影三年展。于2013与2014年他分别受邀于日本福冈亚洲美术馆（FUKUOKA ASIAN ART MUSEUM）与法国布朗利河岸博物馆（MUSEUM QUAI BRANLY），在两地驻村进行艺术创作。陶迪曾获Paul Huf奖、PHOTOFAIRS上海曝光奖和PhotoLondon新锐摄影师奖等提名，其创作充满幽默与想象，并善于将事实与虚构交织成有趣的异想风格作品。
绝版影像馆（UP Gallery，台北）成立于2009年，是台湾首座专门以摄影与影像作品展出的艺廊。创办人廖益嘉，同时作为摄影艺术家，坚信影像艺术的独特性与其价值地位迟早在台湾会被认可，因此决定在家乡新竹设立实体艺廊空间。他认为台湾需要一个独特的场域，为摄影与影像艺术提供展出的平台。
就像一条划过空间的磁场线，平面设计师高田唯把我们集体环境中的各种元素连接在一起，向内吸引，并将它们汇集到一条轨道上，开始旋转，他的实践为我们提供了一个关于周围世界的新鲜的感知。这些元素从我们身边平凡的、看似普通的景观和物体中采集，或许被提升到一种似乎与自身性质完全矛盾的状态，但同时又以一种坦率的方式表达出来，这使这些性质不仅得到保持，甚至得到赞美。高田掌控着这种变化着的旋风般的能量，让我们「意识到」。
这本书由471个被解构的艺术作品片段、日常生活中收集和记录的环境或背景元素组成，如垃圾箱、树皮、「禁止吸烟」的标志，或来自日常生活的报纸剪裁，以及其他各种实验项目，它成为了高田所创造的「轴」的物理表现，在那里，秩序不再是通过有序地应用逻辑来创造的，而是在通过拥抱、热爱，以及对混乱的利用中产生的，于是，混沌作为一种全新的存在形式出现了。它是一个由看似不相干的材料层层叠加而成的物体，和通过混沌产生的秩序结合在一起，其轮廓不断变化，让观众有机会客观地看待根据每个人的观点而变化的东西。
在本书的文字部分中，泽田育久（摄影师）和莲沼执太（音乐家）的文章传达了与高田没有接触但其自身实践与「轴」的概念密切相关的人的观点。此外，多年来与高田有所来往的平面设计师中垣信夫、原研哉和服部一成也与他进行了访谈性质的对话，提供了他们对高田的工作、态度和方法的三种不同印象。
高田唯，出生于东京，毕业于桑泽设计学校。Allright设计事务所的董事，该事务所包括「Allright Graphic」和「Allright Printing」。现任东京造形大学的副教授。JAGDA会员。AGI会员。
ori.studio是由Maxim Cormier和范雪晨共同建立的浮动于媒介之间的设计单元。工作室的活动以书以及由它们衍生出来的抽象环境为中心，形成类似于由设计、研究和出版所组成的张力结构。这些书籍实践的活动既是概念性的，因为创造了抽象的规则来改善书的生产环境；同时也是实体性的，因为赋予了这些规则以形态。
“待在上面的时间越长，对地球旋转的感知就越强烈——这个蓝色大理石般的星球在太空中转动。天上的太阳仿佛一刻不停地在你身边环绕，凝视它的时候，你会对这个星球的循环旋转产生非常强烈的感知，这是一种很奇妙的体验。我想捕捉这磅礴的景象，用Cirkut相机无疑是合乎逻辑的选择。”
Chris McCaw创作的风景照，清晰地呈现了太阳的运动，它的轨迹仿佛点燃了用大画幅相机曝光的老式照片纸。系列作品《Cirkut》由改装后的1913 Cirkut相机完成，这款旋转的模拟相机最初被用于在大型胶卷上拍摄全景照片。为了呈现这本书里的作品，McCaw去了阿拉斯加，夏季的北极圈太阳从不落山，他在那里靠露营度过了数周。McCaw的相机越过各种天气和荒郊野岭，缓慢地旋转360度，几小时甚至几天都追踪着太阳。最终的作品表现出了位于太阳系中心的地球与恒星之间的非凡关系。这件作品围绕艺术家对时间和光线的观察展开，书本由手工制作，采用两侧开合的经折装形式，收录了精选作品《Cirkut＃6》和《Cirkut＃7》。
艺术家为这本限量版摄影书配了一个木制书盒，类似于大画幅相机的胶片盒，每一册都附有艺术家的笔记和一个曝光测试条，测试条由原版Cirkut相机曝光时使用的同一种复古摄影纸制成。
Chris McCaw的作品扎根于摄影史，同时将这种媒介推向新的领域。他的实验过程总让人回忆起摄影先驱亨利·福克斯·塔尔伯特（Henry Fox Talbot）的作品，并结合了卢西奥·丰塔纳（Lucio Fontana）“刀痕”绘画的影子。
McCaw采用创造与毁灭并行的概念，他将由此制造的张力与不可预测的过程优雅地结合起来，形成一种精致且精巧的风格，但这种风格仍依赖野蛮而本能的偶然性与光，以及地球的转动。
McCaw的作品进入了许多公共收藏，包括克莱斯勒艺术博物馆、伊士曼博物馆、保罗·盖蒂博物馆、洛杉矶县立艺术博物馆、大都会艺术博物馆、国家美术馆、旧金山现代艺术博物馆、史密森尼学会（美国艺术博物馆、国家航空航天博物馆）、维多利亚和阿尔伯特博物馆、惠特尼美国艺术博物馆等。
“我创作的图像，最终都会消失或蜕变成其他东西，我试图借此挑战‘过程’、‘永恒’以及‘完成’等既定概念。故意创作出变动不居的照片，意味着什么呢？”
在这本书里，Alyssa Minahan的摄影对象——化学制品、X射线、明胶银印、物影照片，流明和宝丽来，都徘徊在光明与黑暗，具象与抽象，须臾与永恒之间。化学污渍与痕迹、重复的图像、颜色和形状等形式元素，在不同的照片之间建立起链接。
Minahan在思考：“摄影媒介该如何描绘‘失去’？”还有“创作的过程可以成为作品本身吗？”为了回应这些问题，她在书里展现了摄影的特殊能力所蕴含的抒情色彩，它可以把那些与我们生活经历有关的真知灼见，以视觉的方式描绘出来，而正是那些独一无二且不可复制的物体的诞生，见证了我们的生活，它们身上的痕迹也印证了其本身的存在。
Alyssa Minahan采用非固定的明胶银纸和大画幅底片等摄影材料，以非传统的方式来表现摄影媒介的内在意图，表现其与时间、空间和记忆的复杂关系。近期的作品包括《NOTES》（2019）和《an end and a beginning》（2022），这是由Datz Press出版的一本手工摄影集。
Alyssa Minahan的作品在众多画廊和博物馆展出，包括Datz艺术博物馆（韩国光州）、创意摄影中心（亚利桑那州图森）、平遥国际摄影大展（中国山西）、西北摄影中心（华盛顿州西雅图）和波士顿大学美术馆（马萨诸塞州波士顿）。
“在我的创作中，摄影成为超越了物理现实的隐喻。在摄影的世界里，物质变得半透明、模糊。时间的流逝凝固为片刻。当拥有了后期制作的无限可能时，照片本身就成为了想象力专属的扩展空间——即‘超空间’。在这个神圣的空间里，时间变得无关紧要。”
《Numen》是芬兰艺术家Ville Kansanen的系列作品，由装置和大地艺术共同组成。Kansanen目前在美国西海岸工作和生活，他以摄影为媒介，来重新发现人与人之间远古的链接以及对自然的忠诚。他走进美国西部的沙漠——这里仿佛人类世的末端景象，和亚伯拉罕式信仰的新兴景观——他在这里捕捉光与地球相遇的地平线。他用木材、板、绳子、绳索、当地的岩石、土壤和从以往的装置中回收来的材料，来创作这个巨大的神圣装置，并通过太阳和月光之类的光源与周围的自然形成链接。这本书里的摄影作品，象征着艺术家与自然的精神交流，也通过素描和艺术家的笔记展示了创作的过程。
芬兰艺术家Ville Kansanen居住在美国加利福尼亚州。他的创作涉及摄影、雕塑、录像和大地艺术。Ville Kansanen被大自然无边无际的沙漠神秘景观所吸引，采用舞台摄影技术来完成为特定场域而作的装置。
在他的创作中，沙漠被视作固定存在的起源，使人们陷入对自然循环的沉思，唤醒人类对永恒存在的幻想。
Datz Press是一家与摄影师、设计师和图书制作者合作的艺术图书出版社，致力于以摄影为中心创作、出版、展览书籍，并通过展览、出版和艺术教育，倡导参与式艺术活动的发展。
影像上海艺术博览会创立于2014年，旨在回应亚太地区对影像艺术收藏日益增长的兴趣与需求。作为专注于影像艺术媒介的国际平台，影像上海艺术博览会已在过去几年中，对亚洲艺术影像市场起到了至关重要的推动作用，亦建立起了关于影像艺术媒介最为权威和活跃的交流。博览会始终保持开拓精神，聚焦国际前沿，以博物馆品质呈现版块与内容，为亚太藏家、观众和专业人士提供欣赏和发现影像艺术的上佳体验。影像上海艺术博览会由Creo主办，是安格斯·蒙哥马利艺术（Angus Montgomery Arts）的重要组成部分，亦是The Art Assembly的成员博览会之一。
安格斯·蒙哥马利艺术（Angus Montgomery Arts）在当代艺术领域拥有40多年的经验，于全球范围内建立了诸多成功的艺术博览会，是亚洲最大规模的艺术博览会主办方。目前其所创办和组织的博览会包括：台北当代艺术博览会、India Art Fair、Sydney Contemporary、影像上海艺术博览会、Art Central Hong Kong、Art Düsseldorf、Photo London，以及即将开启的Art SG（2023年1月）、Tokyo Gendai（2023年7月）。旗下部分博览会亦是跨亚太区国际艺博会联盟The Art Assembly的重要成员。欲知更多详情，请访问。
由Creo发起、组织的活动与项目主要横跨三大领域：摄影、电影和当代艺术。Creo成立于 2007 年，前身为世界摄影组织，此后规模不断扩大，不但持续为影像艺术创造有意义的机遇，还致力于将其扩大至更广泛的文化领域。如今，其核心项目包括索尼世界摄影奖、影像上海艺术博览会、Photo London和索尼未来电影人奖。Creo与安格斯·蒙哥马利艺术（Angus Montgomery Arts）合作，助力其开展业务，呈现数个全球领先的艺术博览会。Creo在拉丁语中代表“我创造”，正是本着这种精神，Creo致力于代理并为创意之声赋权。欲知更多详情，请访问 。
原标题：《游离的边界 #形式的边界：透过不同媒介，让感官和神经大大延申》
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